TOP 10 PELÍCULAS 2019

El 2019 realmente ha sido un año memorable para el cine, tal vez el año cúlmine para las películas del género de comics con Avengers Endgame dándole un cierre al proyecto de 10 años de Marvel y transformándose en la película más taquillera de todos los tiempos y Joker logrando el concenso de la crítica y los espectadores en lo que es sin lugar a dudas el mayor triunfo de DC en mucho tiempo. Sin embargo no encontraremos esos títulos en esta lista porque simplemente hubo demasiadas buenas películas. Lamentablemente todavía no tuve acceso a títulos como Portrait of a Lady on Fire, Marriage Story, 1917 o Jojo Rabbit, títulos que han sido muy aclamados por la crítica, así que en ese contexto esta es mi selección de las mejores del 2019.

Dolor y Gloria

Almodovar logra uno de sus mejores trabajos en lo que es tal vez la película más personal de su carrera con Dolor y Gloria. Salvador Mallo (Antonio Banderas) es un aclamado director de cine en el ocaso de su carrera. Su memoria le llevará desde su infancia en el pueblo valenciano de Paterna en los años 60 junto a sus padres, a sus primeros amores y su primer deseo sexual hasta su primer amor adulto ya en el Madrid de los años 80, el dolor de la ruptura del mismo, la mortalidad y la escritura y el cine como única terapia para olvidar lo inolvidable y sanar el vacío y el dolor de la mera existencia.

Nunca es fácil hacer una película tan personal como esta, se siente mal, se siente sucio, como si estuviéramos viendo directo al alma de una persona, de un desconocido, es un proceso demasiado íntimo y por momentos nos incomoda, sobre todo cuando trata sobre temáticas como la depresión y el dolor no solo físico sino existencial. Almodovar vuelve a su mejor forma con Dolor y Gloria y Antonio Banderas esta simplemente espectacular en la piel de su director. Es una gran colaboración mas entre estos dos íconos del cine español y una de las favoritas a obtener una nominación a los Oscars en la categoría de mejor película extranjera.

Midsommar

Ari Aster vuelve al ruedo después de darnos lo que fue una de mis películas preferidas del 2018, Hereditary. Tengo que decir que este joven director se esta volviendo en uno de mis favoritos y cada noticia de un proyecto nuevo de Aster me genera muchísimo entusiasmo. Midsommar sigue la historia de Dani (Florence Pugh) y Christian (Jack Reynor) quienes atraviesan una dura crisis de pareja luego de que Dani sufre una tragedia familiar devastadora. Sin embargo, ambos deciden darse una oportunidad, y qué mejor para ello, que disfrutar de un retiro vacacional en una idílica isla sueca. Junto con el resto de sus amigos se embarcan en un prometedor viaje a un festival de verano que se celebra una vez cada 90 años en una remota aldea sueca. Sin embargo, y a pesar de su paradisiaca apariencia, el lugar no es lo que parece. Pronto comenzarán a darse cuenta de que los anfitriones realizan perturbadores rituales paganos que pondrán a prueba la relación de cada uno de los huéspedes y su instinto de supervivencia.

De la misma manera que Hereditary toma mucho de Rosemary´s Baby, Midsommar toma mucho de The Wicker Man y así como Hereditary el año pasado, esta película es divisiva y no para todo el mundo. Más allá de tratar temáticas sobre el dolor y como procesamos el mismo, Midsommar es, en su núcleo, una película sobre una separación, sobre el fin de una pareja y tambien la búsqueda por encontrar el sentido de pertenencia, nuestro lugar en el mundo por así decirlo. Técnicamente la película es un deleite, la fotografía es hermosa, el montaje es impecable y el nivel de detalle que manejan las producciones Aster son sencillamente increíbles, desde las pinturas en las paredes hasta los símbolos en los vestidos. Sin embargo la película presenta algunos problemas principalmente en su ritmo y en el uso y manejo frío de sus personajes con los cuales jamas pude sentir una conexión real al carecer de cierta autenticidad. Pero mas allá de esto Midsommar no deja de ser una de mis preferidas del ano y afirma a Aster como uno de los mejores directores jóvenes del momento.

The Farewell

Billi (Awkwafina) es una mujer, de nacionalidad chino-americana, que regresa a su país natal cuando se entera de que su abuela padece un cáncer terminal. Las cosas empeoran cuando esta se da cuenta de que su familia decide ocultarle el resultado de su enfermedad. Billi debe aceptar la decisión de su familia y participar en una boda familiar que resultará ser el último gran evento del que participara su abuela.

Basada en la mentira real que la directora de la película, Lulu Wang, y su familia mantuvieron para con su abuela, The Farewell, es una película que gravita perfectamente entre una autentica historia cultural china y a la vez una historia universal, con personajes reales y complejos con los que nos podemos relacionar. Hay secuencias con largas conversaciones y el diálogo en cada una de estas es tan real, tan auténtico que no podemos evitar conectar con estos personajes y emocionarnos con el desarrollo final (Realmente para el final de la película lo mas probable es que te encuentres llorando). Mas allá de su premisa sombría, The Farewell, es una película muy graciosa, especialmente nuestra protagonista Awkwafina que es una revelación en el papel de Billi y una mención especial para el personaje de su primo que es simplemente un cago de risa. La película también posee una perspectiva muy rica en el sentido de que tanto Lulu Wang como Awkwafina son chino-americanas y dicen mucho acerca de la necesidad de entender sus propias raíces y cultura desde una perspectiva occidental, ya que ambas crecieron en América. La película en este sentido tiene mucho peso y realmente tiene algo para decir en una historia que obviamente es muy personal para Wang.

The Irishman

La nueva película de Martin Scorsese de mas de tres horas y media de duración lo ve reunido con sus antiguos colaboradores Robert De Niro y Joe Pesci y por primera vez con Al Pacino. El resto del elenco es realmente una maravilla con nombres como Harvey Keitel, Bobby Cannavale y Ray Romano entre otros. Frank Sheeran (Robert De Niro) fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial, estafador y sicario al que se le atribuyen mas de 25 asesinatos y quien trabajó con algunas de las figuras más destacadas del siglo XX. El irlandés es la crónica de uno de los grandes misterios sin resolver del país: la desaparición del legendario sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino).

Las comparaciones son odiosas y a la vez imposibles de evitar, Scorsese vuelve a una temática muy familiar para el y resulta realmente imposible no comprar The Irishman con Goodfellas, en mi opinión la mejor película de Scorsese. Pero a diferencia de Goodfellas donde Scorsese de cierta manera romantiza el mundo del crimen organizado y todo es exceso, drogas, mujeres y por sobre todas las cosas poder absoluto ya sea en las calles como en la prisión, en The Irishman vemos otra faceta del director y de estos personajes, una faceta mucho mas humana y tangible. Las decisiones de Frank a lo largo de su vida lo dejan solo en un asilo de ancianos, alejado de su familia, especialmente de su primogénita, reflexionando acerca de sus propios pecados y sin el glamour de ese estilo de vida porque literalmente están todos muertos menos el. El hecho de que tanto su director y sus protagonistas estén cerca del ocaso de sus vidas hace incapie en otra temática dentro de la película que es no solo la muerte en si sino el proceso de envejecer, los dolores tanto físicos como sentimentales de la vida y una vision introspectiva de la moralidad y ética de nuestros propios actos. The irishman es un nuevo éxito en la filmografía de Scorsese y una nueva obra maestra para el mundo del cine.

The Lighthouse

La sinopsis de The Lighthouse es realmente muy simple. Dos faroleros (Willem Dafoe y Robert Pattinson) intentan mantener la cordura mientras viven en una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra asotada por una feroz tormenta en la década de 1890. Las cosas comienzan a empeorar a medida que las tensiones y a la paranoia entre ambos faroleros comienza a crecer.

La nueva película de Robert Eggers venia con una gran cantidad de expectativa por su film previo, The Witch y realmente no decepciono. The Lighthouse va mas allá de su trama y crea una especie de guerra psicológica entre sus dos personajes, la lucha de poder entre Dafoe y Pattinson es sencillamente espectacular, pasan de amarse a odiarse en cuestiones de minutos y es un choque titánico de poder actoral que en las manos de un director menos capacitado hubiera perdido cierto impacto. Pero la base de esta gran interpretación por parte de ambos actores se basa, por supuesto, en el gran guión de Eggers, que de la misma manera que en The Witch utiliza el lenguaje de la epoca para crear realmente una vision introspectiva en la vida la gente de la época y logra transportarnos como espectadores al momento y lugar donde se desarrolla la historia. Por supuesto estaría cometiendo un gran pecado si no hablaría de la hermosa fotografía de Jarin Blaschke, que de la misma manera que Roma el ano pasado, logra que cada plano sea una belleza de por si. El final de la película carece de cierto impacto, pero es el viaje, no el final lo que hace de The Lighthouse una de las mejores películas del año.

Once Upon a Time in Hollywood

Hollywood, década del 60. La estrella de un western televisivo, Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), intenta amoldarse a los cambios del medio al mismo tiempo que su doble de riesgo (Brad Pitt). La vida de Dalton está ligada completamente a Hollywood, y casualmente es vecino de la joven y prometedora actriz y modelo Sharon Tate (Margot Robbie) que acaba de casarse con el prestigioso director Roman Polanski, todo en el contexto de uno de los asesinatos mas famosos de la historia de Hollywood llevado a cabo por la familia Manson.

Si existe tal cosa como un cuento de hadas hecho por Tarantino esto es lo mas cercano a ello. Porque Once Upon a Time in Hollywood es nada mas ni nada menos que un cuento de hadas. La película esta llena de nostalgia Tarantinesca reflejando la sensibilidad de la época en la que el director creció en un contexto de cambio tanto en el el mundo de los grandes estudios de Hollywood como en la política estadounidense. Lejos de ser la mejor película de Tarantino, el film carece de cierto sentido narrativo sobre todo durante el transcurso del segundo acto de la película y el personaje de Robbie no termina de estar completamente desarrollado, Once Upon a Time in Hollywood no deja de ser una de las mejores películas del año. La química entre Brad Pitt y DiCaprio es sencillamente genial y los dialogos, como siempre, son de primer nivel. El motivo por el cual digo que este es un cuento de hadas es por el hecho de que, de la misma manera que Inglorious Basterds cambia el rumbo de la historia, Once Upon a Time hace lo mismo. Se dice que el dia que Sharon Tate fue brutalmente asesinada fue el dia que el concepto de amor libre y la filosofia hippie murió dando lugar a una década muy oscura para la historia americana como fue la década del 70. Tarantino cambia el rumbo de la historia en lo que me pareció un plot twist simplemente increible y el tercer acto de la película es lo que le da sentido a todo el resto del film.

Uncut Gems

Howard Ratner (Adam Sandler) es el propietario de una joyería en la ciudad de Nueva York que vende en exclusiva a ricos y famosos. Un día se produce un importante robo que le obliga a tener que afrontar una deuda económica que no está preparado a pagar.

Si hay algo que Uncut Gems pone en evidencia es que cuando Adam Sandler tiene ganas de actuar es un actor verdaderamente increíble (The Meyerowitz Stories, Punch Drunk Love y Funny People son tambiénn claros ejemplos de su capacidad actoral). Sandler esta sencillamente espectacular en la piel de Ratner, un joyero excéntrico que es el único responsable del caos que se genera en su vida pero lo absolutamente genial de la interpretación de Sandler es que hace querible un personaje que es en principio una mala persona, cosa que pocos actores son capaces de hacer. La película de los hermanos Safdie es una de las experiencias cinematográficas mas estresantes que he visto a lo largo de este año y es sin lugar a dudas el comienzo de lo que promete ser una gran carrera para los directores luego de su galardonada película Good Times y ahora también se suma Uncut Gems.

Atlatique

A lo largo de la costa atlántica, una torre futurista que pronto será inaugurada se cierne sobre un suburbio de Dakar. Ada, de 17 años, está enamorada de Souleimane, un joven trabajador de la construcción. Pero ella ha sido prometida a otro hombre. Una noche, Souleimane y sus compañeros desaparecen en el mar. Poco después, regresan para atormentar a su antiguo vecindario tomando posesión de las novias que dejaron atrás. Algunos de los trabajadores han venido reclamando venganza y amenazan con quemar la torre si el desarrollador no paga sus salarios. Pero Souleiman ha regresado por Ada, para que puedan estar juntos por una última vez.

Atlantique es junto con The irishman una de las mejores películas de la plataforma de Netflix y un logro para la directora francesa Mati Diop al convertirse en la primer mujer de descendencia africana en competir en la sección principal del festival de Cannes. Uno de los puntos fuertes de la película es la hermosa fotografía de Claire Mathon que con su trabajo potencia la problemática de la realidad Dakari. La película de Diop que hay que decirlo tiene algunos problemas de ritmo y por sobre todas las cosas la mezcla de generos no fluye tan bien, es sin embargo un film de empoderamiento femenino y un fuerte vistazo a la situación migratoria de la población senegalesa.

Monos

Un grupo de adolescentes guerrilleros tienen la misión de proteger a una doctora americana secuestrada en Colombia. Una gran batalla se acerca, y los chicos deberán hacer frente al enemigo y proteger a la mujer americana.

La película de Alejandro Landes es concisa y maneja un ritmo perfecto en lo que es una temática de por si incomoda. La cinematografía, el diálogo y la dirección son realmente excelentes. De por si la película hace clara referencia a El Señor de las Moscas y también a Apocalypse Now pero mas allá de esto la película también tiene éxito en representar y narrar por si sola el proceso natural de descomposición del rigor, la autoridad y, lo más importante, la decencia humana cuando nos encontramos fuera de nuestras zonas de confort demasiado lujosas, y con eso también me refiero al confort psicológico que todos disfrutamos cuando las cosas simplemente funcionan sin problemas.

Parasite

Personalmente Parasite es mi película preferida del año, el film de Bong Joon Ho fue el recipiente de La Palma de Oro en el festival de Cannes y una de las favoritas a lograr una nominación a los Oscars no solo en la categoría mejor película extranjera sino también en mejor película.

Parasite cuenta la historia de Ki-taek (Kang-ho Song) el patriarca de una familia pobre que habita en un piso bajo en Seúl, pagando las facturas a base de trabajos precarios y robando el wi-fi de los vecinos. Su situación cambia un día en el que su hijo logra que lo recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park, una familia de clase alta. Utilizando su ingenio, el joven conseguirá ganarse la confianza de la dueña de la casa, y así irá introduciendo, poco a poco, al resto de sus familiares en distintos trabajos del servicio doméstico.

Parasite es una obra maestra y un clásico instantáneo, fluctúa de manera perfecta entre diversos generos con un equilibrio envidiable, maneja comedia, drama e incluso suspenso y horror, pero en su núcleo Parasite es una sátira social que funciona de manera universal. Los Kim, una familia de clase baja viven literalmente en un sotano, infestado de insectos y roedores y cada vez que llueve no lo ven como un acontecimiento hermoso y pacifico, como lo hacen las clases mas altas sino que lo ven como un peligro a su mera existencia ya que la lluvia inunda su barrio, su hogar y destruye todas sus pertenencias dejandolos en un estado de vulnerabilidad total y en sus puntos mas bajos. Todo esto se cuenta perfectamente de manera visual gracias al talento y la maestría de Bong Joon Ho. Los movimientos y los ángulos de la cámara cuentan una historia por si sola sin la necesidad de diálogo. Ya con el paneo inicial de arriba a abajo presentandonos al personaje de Woo sentado en el piso del sótano nos da la pauta de que es una persona de clase baja y en contraposición el primer momento en que Woo entra a la casa de la familia pudiente la cámara lo sigue desde abajo con una ligera inclinación para arriba, dandonos a entender su ingreso a una clase social superior. Al retratar a la familia Kim en el sótano Bong usa ángulos cerrados generando un sentido de claustrofobia y encierro mientras que cuando los retrata en la casa de la familia rica utiliza un gran angular generando mucho espacio dentro del cuadro en el cual los personajes están libres. Otro uso brillante en Parasite es el de la linea, tanto el sentido simbólico como el literal, Bong utiliza lineas dentro del cuadro para separar a ambas clases, en el primer momento en que Woo ve a la matriarca de la familia lo hace a través de un vidrio y ese vidrio tiene una linea vertical que separa a la empleada doméstica de la dueña de la casa. Bong es consistente y hace esto a lo largo de toda la película dandonos a entender que es realmente un cineasta con total dominio y control sobre su arte.