TOP 25 PELÍCULAS DE LA DÉCADA

Se terminó la década y nos dejo realmente un gran cantidad de títulos que ya pasaron a ser clásicos modernos del séptimo arte y que en esta lista repasaremos y celebraremos de la única manera que sabemos como, hablando de cine. Pequeña aclaración antes de arrancar, las películas animadas no entran en esta lista, sino que estaré haciendo otra lista con las 10 mejores películas animadas de la década.

La verdad que para hacerle verdadero honor a la década tendría que hacer una lista de de 100 películas, pero bueno me volvería chango haciendo un breve análisis de cada film, así que antes de arrancar con la lista definitiva de las 25 mejores de la década, me voy a permitir el lujo de nombrar algunas menciones especiales que no llegaron a formar parte de la lista pero que son excelentes de igual manera. Estas son:

Get Out

Anomalisa

Dunkirk

The Act of Killing

A Girl Walks Home Alone at Night

I saw the Devil

Cold War

The Grand Budapest Hotel

Toni Erdmann

Amy

Ex Machina

It Follows

Searching For Sugar Man

Mother

Son of Saul

Drive

The Witch

Take Shelter

Argo

Manchester By The Sea

Ahora sí, arranquemos con la lista.

Moonlight

Moonlight es una adaptación del libro de Tarell Alvin McCraney In Moonlight Black Boys Look Blue, algo así como "A la luz de la luna los niños negros parecen azules". Si hay algo que el director de la película, Barry Jenkins, hace de manera perfecta es subvertir las expectativas del espectador en este viaje de madurez emocional de un niño afroamericano de un barrio de florida hasta su adultez.

Contada en tres períodos diferentes de su vida e interpretado por tres actores distintos, todos los personajes de esta película tienen un grado de complejidad inmensurable y ninguno acata a los estereotipos que este mundo nos impone. Desde Juan, interpretado magistralmente por Mahershala Ali, un traficante de drogas con un lado sensible y gran potencial de figura paterna, pasando por la madre adicta, llena de matices y capas que representan la misma complejidad humana, hasta nuestro personaje principal, que pasa de ser Chiron, un chico sensible homosexual que, por las presiones de su ambiente repleto de masculinidad toxica, debe reprimir todas sus emociones e impulsos y verdadero ser para convertirse en Black, un fachada de una persona que no representa en lo absoluto quien el es en su interior. De esta manera, Moonlight, representa lo que todos pasamos en algún punto a lo largo de nuestra vida, y eso es el hecho de que todos somos personas diferentes en distintos momentos de nuestra existencia, la vida es un proceso y ese proceso es siempre cambiante.

Shame

No vean esta película con sus padres, están advertidos. "Shame" sigue la historia de Brandon, un adicto al sexo, interpretado majestuosamente por Michael Fassbender, cuya vida se empieza a caer a pedazos cuando su hermana irrumpe en su departamento y Brandon comienza a sucumbir cada vez más a su adicción como método para lidiar con la situación, pero a medida que el film avanza, su adicción comienza a superarlo y esto comienza a afectar, no solo su propia vida sino también a aquellos más cercanos a el.

Alabada por psicólogos y psiquiatras como una de las representaciones más exactas del poder de una adicción, la película de Steve McQueen, "Shame", logra representar esto con muy poco diálogo, lo cual es algo aún más valorable. Utilizando solo el poder de las imágenes, logramos entender su adicción, su relación con otros seres humanos y su sentimiento de vergüenza sin la necesidad de decir una sola palabra, nunca mejor representado como en la escena del subte, donde Brandon establece un contacto prolongado de mirada con una muy atractiva joven, casada, ya que vemos el anillo, pero que lo desea. Brandon no la desea a ella, especificamente, solo desea su sexo, es una cosa, un objeto, algo que puede cosificar. De hecho cuando Brandon se permite abrir hacia una compañera del trabajo, por quien demuestra genuino interés, mas allá del sexo, éste, al momento de entablar una relación sexual con ella, no lo puede hacer, canalizando miedos e inseguridades por mostrarse vulnerable y por ende abrirse a la posibilidad de salir lastimado. Lo mismo sucede con su relación con su hermana, Brandon la quiere lejos de su vida, lejos de su adicción, lo que desencadena el tumultuoso final con el intento de suicidio de su hermana, que Brandon jamás pudo prever. El final es uno de los mejores finales ambiguos que podemos ver, al repetirse la misma situación con otra mujer en el subte, dejandonos con la duda de si Brandon logró superar sus adicciones o si, nuevamente, caerá ante la tentación.

Free Solo

Luego de "The Salt of the Earth" este es mi documental preferido de la década. Dirigido de manera brillante por el fotógrafo de National Geographic, Jimmy Chin, "Free Solo" sigue la historia de Alex Honnold, un escalador que realiza sus ascensos SIN CUERDA, en su intento de escalar, por primera vez en la historia de la humanidad, El Capitán.

Lo primero es lo primero y por eso debemos decir que las visuales de este documental son una cosa verdaderamente maravillosa, no podemos evitar, mas allá de la tensión, admirar la belleza del ambiente natural en que este documental se desenvuelve. Pero más allá de esto, lo verdaderamente fascinante del documental es entrar, por un breve tiempo, en la mente de una persona como Alex Honnold. Tratar de entender que lo motiva a hacer esto y arriesgar su vida en cada ascenso es una experiencia verdaderamente fascinante. Podemos debatir, también, si es algo ético filmar este tipo de eventos (La película no hace vista gorda al asunto y cuestiona su mera producción, después de todo si las cosas salen mal, se te esta muriendo un amigo, nada más ni nada menos) pero la proeza de lo que realiza Honnold es algo verdaderamente único y quedará en las páginas de la historia por siempre.

Le Sel de la Terre

Y bueno como bien dije arriba, este sí es mi documental preferido de la década. Dirigido por Wim Wenders, quien dirigió documentales como "Buena Vista Social Club" y "Pina" pero también películas extraordinarias como "The Wings of Desire" y "Paris Texas", esta vez nos trae la historia de vida de Sebastiao Salgado, uno de mis fotógrafos preferidos (junto con Steve McCurry) y su trayecto de más de cuatro décadas de profesión, retratando gente en circunstancias verdaderamente increíbles. Desde tribus en Sudamerica y África, hasta trabajadores en situaciones precarias, como las minas de Brasil o la extracción de petroleo en Kuwait. Salgado llego al tope de su fama al retratar la crisis de hambruna en Etiopía y el genocidio de Rawanda. Las fotos son realmente memorables, hermosas y la vez desgarradoras, retratando una realidad humana a la cual somos ajenos y nos cuesta tanto ver.

El documental trata sobre las cuestiones morales y éticas de retratar a seres humanos en situaciones tan precarias y de miseria absoluta y si la fotografía ayuda o no a concientizar sobre semejantes casos. Todo este proceso llevo a que Salgado deje de hacer este tipo de fotografías y se dedique a retratar la flora y fauna en distintas partes del mundo. Es una historia maravillosa de uno de los mejores fotografos vivos de nuestra historia.

We Need to Talk About Kevin

Eva (Tilda Swinton) está tratando de reconstruir su vida después del "incidente". Una vez una exitosa escritora de viajes, ahora se ve obligada a tomar cualquier trabajo que se le presente. Vive una vida solitaria, ya que las personas que conocen su historia la rechazan abiertamente, incluso hasta el punto de cometer acciones violentas hacia ella. El "incidente" involucró a su hijo Kevin (Ezra Miller), quien cometió una masacre en su colegio, no solo matando a sus compañeros sino a su propio padre y su hermana. Eva y Kevin siempre han tenido una relación problemática, incluso cuando era un bebé, la imposibilidad de amar a su propio hijo de manera "natural" generó un conflicto en la relación entre ambos. Franklin (John C. Reilly), el marido complaciente de Eva, siempre minimizó la relación problemática entre su esposa y su hijo y lo atribuyo a cosas de adolescentes. El "incidente" puede ser visto, tanto por Kevin y Eva, como el acto definitivo y desafiante contra su propia relación.

La directora del film, Lynne Ramsay (Quien nos dio otra joya a lo largo de la década con "You Were Never Really Here"), cuenta la historia en fragmentos de un collage de recuerdos, desde el nacimiento de Kevin hasta su encarcelamiento. Para algunos, este tipo de narración no lineal puede ser desconcertante, pero funciona de manera brillante para hacer un examen minucioso de la mente fragmentada de una madre que simplemente no puede creer que el hijo que parió y crió sea el epítome del mal. El hecho de que somos conscientes de que algo horrible ha sucedido desde el principio no se interpone en la observación de la lenta maduración de Kevin, primero como un infante que grita constantemente y no puede comunicarse, a un niño malicioso e incapaz de demostrar empatía, hasta un adolescente cruel y malvado con quien su madre ya no puede conectarse, excepto por una instancia muy reveladora cuando Eva lee al joven Kevin 'Robin Hood', momento en el que Kevin muestra un cierto afecto por Eva. Ese momento demuestra, en retrospectiva, ser el origen para el horror que nos espera.

El film sirve para analizar el concepto de la culpa, ¿quien es el culpable en estos casos? ¿Es la madre por leerle la historia de Robin Hood y no saber demostrar afecto durante toda su crianza? ¿Es el padre por comprarle el arco y flecha y no demostrar genuina preocupación en las señales que su propio hijo emitía? ¿O es Kevin el único culpable y responsable de cometer semejante atrocidad? Y creo que eso es tarea de cada espectador, ya que para el final de la película seguimos sin tener respuesta, porque, ni siquiera Kevin, sabe el porque de sus crímenes.

The Tree of Life

Terrence Malick dividió a la critica y a la audiencia allá por el 2011 con su film, "The Tree of Life". Algunos la llamaron pretenciosa, otros una obra maestra, yo soy parte del segundo grupo de gente, al punto en que pondria a "The Tree of Life" a la par de "2001" de Stanley Kubrick. Es ese tipo de películas que requieren más de una visión, y no solo eso, van a terminar de verla y van a tener que leer sobre que carajo es lo que acabaron de ver y después de eso, volver a verla. Es realmente abrumador tratar de entender todo lo que Malick nos esta queriendo decir de una sola vez, y así como 2001, cada espectador saca su propia conclusión de lo que acaba de acontecer en pantalla.

La película sigue la historia de Jack, que en su adultez, recuerda momentos de su infancia que marcaron su presente, especialmente la muerte prematura de su hermano y lleva a un planteo existencial sobre su propio lugar en el universo y el significado de la vida misma, que va desde la creación del planeta tierra hasta la representación metafórica de la vida mas allá de la muerte.

Malick propone dos maneras de ver la vida y la existencia humana, por un lado esta lo que Malick plantea como un estado de gracia, representado en la película por la figura de la madre, que personifica el amor y la bondad. Y por otro lado el estado natural de las cosas, personificado en este caso por la figura del padre, que embodifica la dureza de la vida. Ambas nos forman en la persona que nos convertiremos el día de mañana, para bien o para mal y eso es algo con lo que todos nos podemos relacionar y sentir identificados. Este conflicto existe desde el comienzo de la vida en la tierra (Representado en la escena de los dinosaurios, imposible de olvidar) hasta el día de hoy y creo que la magnitud del proyecto de Malick, y esto es una opinión personal y meramente subjetiva, nos hace entender que somos de lo más insignificante en el plano general de la historia, no solo de la humanidad, sino de la creación y que de lo único que deberiamos, si se quiere, preocuparnos, es del presente en el que vivimos.

A Separation

Antes de "Marriage Story" o incluso "Parasite", tenemos la obra maestra de Asghar Farhadi,

"A Separation". Una película, que a pesar de su universalidad, es, en su núcleo, una película absolutamente Iraní, que puede ser vista como un drama sobre la disolución de un matrimonio que enfrenta al progreso contra lo conservador, al encontrarnos con la historia de Simin, una maestra que desea ise al exterior con su hija en busca de una vida mejor, y Nader, un empleado bancario que quiere quedarse en Irán para cuidar de su padre enfermo . Pero la trama toma un giro inesperado cuando el personaje de Nader acusa a su empleada doméstica, Razieh, de tomar dinero de su habitación. La película se transforma en una batalla legal que enfrenta a las distintas clases sociales en el contexto de un juzgado.

La obsesión de Asghar Farhadi con el concepto de juicio es una vez más la fuerza impulsora detrás "A Separation". La representación tan real del tribunal Iraní (que de ninguna manera es imparcial) coloca a la audiencia en el asiento del juez desde el principio. Las actuaciónes de todos en el film son extremadamente realistas y su guión, increíblemente complejo, obliga al espectador a tomar una decisión, al igual que cuando lee un caso judicial, con respecto a todo lo que acontece en pantalla. Y a pesar de que cada uno juzga las acciones de los personajes a su manera, el film no toma partido de ningun personaje en particular, todos, absolutmanete todos, son personajes imperfectos, con defectos y virtudes, que intentan vivir su vida de la manera que creen correcta. Como bien dije antes, a pesar de ser una película muy iraní en su estilo narrativo y su representación de la cultura iraní (la santidad de la familia, la fe, el compromiso con los padres y la vida matrimonial), creo que esta película tiene un don universal, que atrae tanto al público oriental como al occidental.

Jagten

La película de Thomas Vinterberg nos cuenta la historia de Lucas (Mads Mikkelsen), un profesor de preescolar en un pequeño pueblo en Dinamarca que acaba de ser abandonado por su esposa, quien se llevó a su hijo y ahora deberá pelear por la custodia del mismo. A pesar de sus problemas personales, todos los días lleva y trae por el bosque a la hija de su mejor amigo hasta la guardería infantil donde él trabaja. Hasta que un día, esta niña, Klara, lo acusa de haber abusado sexualmente de ella, aunque nosotros, como espectadores, sabemos que esto no es verdad.

"Jagten" toma mucho valor en el contexto político social en el que vivimos y su titulo, que en español es "La cacería", hace referencia a la cacería de brujas en la época de Salem, como a la cacería de brujas que se realiza hoy en día, a través de los medios o las redes sociales, cuando escuchamos que una persona, supuestamente, cometió un delito y no tardamos en declararlo culpable y caerle con todo el peso de la condena social. Aún cuando Klara, le declara al padre que, en efecto, ella mintió al respecto de lo acontecido con Lucas, la comunidad del pueblo sigue condenandolo y pensando que el es un abusador infantil, su reputación ya esta manchada y no hay vuelta atrás (Esto queda más que claro en la escena final).

La responsabilidad social que plantea "Jagten" es digna de observar y analizar y nos obliga, como miembros de una sociedad, a pensar en las consecuencias de nuestros propios actos al juzgar y designar como culpable a alguien de un delito sin prueba alguna.

Birdman

Alejandro Gonzalez Iñarritu, es sin lugar a dudas, otro de los grandes ganadores de la década, no solo con su galardonada "Birdman", sino también, con el estreno de "The Revenant" solo un año después. Pero entre ambas películas, y a pesar de las grandes proezas que se necesitaron para, si quiera, poder filmar "The Revenant", me quedo con "Birdman", y como bien dice el título, su virtud inesperada de la ignorancia.

Mucha gente decide poner el foco de atención en que "Birdman" aparenta ser un plano secuencia y se quedan solo con la proeza técnica del magnifico director de fotografía y gran colaborador de Iñarritu, "Chivo", pero la verdadera riqueza de Birdman esta es su contenido. La película es una sátira de Hollywood y la necesidad constante de los artistas en permanecer relevantes en la industria del entretenimiento. Y no solo eso, sino que también deja en evidencia que los actores, en su mayoría, son personas inseguras que necesitan la aprobación constante no solo del espectador, sino también de los críticos y por sobre todas las cosas, de sus pares. Esto no es algo nuevo en el mundo del cine, parece ser una constante que los artistas lo único que quieren es ser recordados por cosas que realmente valen la pena. Y aquí es donde "Birdman" también es una critica al cine moderno, y Iñarritu, que lo dijo mucho antes que Scorsese, hace una clara diferencia entre el cine de entretenimiento y el cine arte. Como bien dice su personaje principal a la gente no le interesa la mierda filosófica, solo le interesa distraerse y pensar en otra cosa con películas de superhéroes.

Pero en definitiva, mas allá de la sátira al mecanismo de Hollywood, "Birdman" es una película sobre la búsqueda del propósito y el sentido de pertenencia, en ese sentido, creo, que tiene una especie de paralelismo con programas como "Bojack Horseman", donde lo que uno cree que lo va a hacer feliz, una vez logrado, se da cuenta de que eso no le trae felicidad y su verdadera búsqueda estuvo siempre en frente de sus propios ojos, lograr una conexión verdadera con su propia hija. He ahí un poco la respuesta a lo que los 10 minutos finales significan, una especie de ciclo cumplido al conectar con la persona que verdaderamente significa algo en la vida y de esa manera poder trascender.

The Florida Project

"The Florida Project" es la película de Sean Baker acerca de la pequeña Moonee, una niña de 6 años, que vive con su jóven e irresponsable madre en un motel, a las afueras de Disney World, donde se desenvuelve, de manera muy independiente, y se embarca en aventuras y juegos con los otros niños del motel en donde viven.

No hay muchas más trama que esa en "The Florida Project", es más bien un día a día en la vida de estos niños desamparados, retratando momentos de absoluta sinceridad e humanidad en actos cotidianos. "The Florida Project" cuenta la historia de aquellos que estan al márgen de la sociedad, los olvidados y los marginales, es una película de los más humanista que se preocupa por retratar los problemas y las contingencias del día a día de todos sus personajes. No hay golpes bajos en lo absoluto ni sentimentalismos, solo tenemos la verdadera perspectiva, en su mayoría, de nuestra protagonista, la pequeña Monee. Desde su perspectiva vemos el entorno hostil y precario en que ella se desenvuevle y vemos como lo transforma, con su imaginación, en su propio Disneyland.

Su relación con su madre, es otro de los puntos fuertes de la película. Se siente más bien como una relación de hermanas, más que madre e hija, debido a la joven edad en que la madre de Moonee la tuvo y la corta diferencia de edad entre ellas. Su madre hace lo que puede para mantener, tanto a Monee como a alla misma, a flote en un mundo que no perdona. Las dificultades de la cotidianidad, para tratar de obtener el dinero suficiente para pagar el motel y un plato de comida se sienten como tareas titánicas, y todo esto nos hace empatizar con su madre, pero a la vez, preocuparnos por Moonee.

En definitiva, la película logra que nos interesamos, genuinamente, en la vida de Moonee y su madre, y es por eso que el final del film cobra un sigficado tan poderoso, más allá de si es o no, un fragmento de la imaginación de la niña, esa corrida a través de Magic Kingdom, en Disney, es absolutamente desgarrador, porque sabemos lo que esta pasando en la vida de ella en ese preciso momento (servicios sociales la esta separando de su madre y el futuro es incierto para ambas) pero la imaginación funciona como un arma poderosa para escapar de los horrores de la realidad, y continuar jugando y afrontar aventuras con sus amigas es la única manera de lidiar con eso. Es un final verdaderamente agridulce que permanecera en tu memoria por mucho tiempo.

Arrival

Denis Villeuneve es uno de mis directores preferidos de la década, a lo largo de la misma nos ha dado películas como "Enemy", "Prisoners", "Blade Runner 2049" y "Sicario", pero mi preferida de todos sus films a lo largo de la década es, sin lugar a dudas, "Arrival".

Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos del gobierno americano piden ayuda a Louise (Amy Adams), una experta lingüista para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre.

La película, mas allá de ser una película de ciencia ficción con aliens y naves espaciales, trata, en su núcleo, de la condición humana y la necesidad intrínseca del ser humano de trabajar en equipo para llegar al mejor resultado posible, y esto se hace posible a través de la comunicación y el lenguaje. Es eso mismo lo que los aliens le dan como "arma" a Louise, no solo para salvar su propia especie, sino también, a la especie humana, el lenguaje como arma. Y a medida que Louise empieza a comprender el lenguaje cada vez más, la solución al problema se vuelve evidente, ya que a través del mismo, ella puede ver el futuro.

La cuestión se hace aún más profunda cuando entendemos, como espectadores, que lo que se nos estaba presentando como una serie de flashbacks en la vida de Louise, en realidad, son flash forwards de una vida que todavía no sucedió y en donde vemos que Louise tendrá una hija que morirá al contraer una extraña enfermedad. Y he aquí el mensaje más profundo de la película, que más allá de saber el resultado del trágico final que le espera a su hija, Louise decide tenerla igual, porque la vida vale la pena ser vivida, momento a momento, sin importar de la duración de la misma ni el dolor que nos traiga, porque esos momentos de felicidad y por sobre todas las cosas, amor, es por lo que vale la pena vivir.

Django Unchained

Si hay alguien que podía copiar a los grandes genios del género del western de manera brillante, ese alguien era Quentin Tarantino. Con el estreno, allá por el 2012, de "Django Unchained", Tarantino nos trajo un western que emula los trabajos de grandes del cine como John Ford, Howard Hawks y Sergio Leone.

La película sigue la historia de Django (Jamie Foxx), un esclavo liberado, que con la ayuda de un cazarrecompensas alemán (Christoph Waltz), se dispone a rescatar a su esposa del brutal propietario de una plantación de Mississippi, el despiadado Calvin Candie (Leonardo DiCaprio).

Django es una película con todos los elementos clásicos de Tarantino, la música, los diálogos, la violencia, esta todo ahí mezclado en la fórmula perfecta para entretener al espectador, pero Tarantino también logra el equilibrio perfecto entre entretenimiento y arte, de manera tal que estamos emocionalmente invertidos en lo que le sucede a los personajes y a la vez nos permitimos reír de ciertas situaciones y diálogos que suceden a lo largo de a película. En este sentido es que creo que Tarantino logra emular de manera perfecta algunos de los westerns que, personalmente considero, como los mejores del genero. Nos recuerda a "El Bueno, El Malo y El Feo", "Butch Cassidy and the Sundance Kid" y "The Searchers", todas estas películas se toman, a si mismas, muy en serio pero a la vez saben divertir y entretener al espectador. Tarantino nos trae lo mejor del pasado, como el buen cinéfilo que es, y lo mezcla con nuestro mundo moderno, al darle su propio estilo ya tan característico y de autor. Un verdadero clásico del cine moderno.

First Reformed

Paul Schrader es uno de los grandes colaboradores de Martin Scorsese, es el guionista de "Taxi Driver", "The Last Temptation of the Christ" y "Raging Bull". En esta ocasión, escribe y dirige, lo que yo creo que es su obra maestra, "First Reformed".

Paul (Ethan Hawke) es un pastor de un pequeño pueblo que experimenta una crisis de fe provocada por su breve encuentro con el novio activista de Mary (Amanda Seyfried) que decide suicidarse luego de enterarse de que iba a ser padre, para darle lugar a su hijo, en un mundo ya condenado por la crisis ambiental producida por el hombre, dejando a Mary sola con su embarazo.

Schrader nos plantea el nexo entre la esperanza y la desesperación, ambos conceptos se representan de manera positiva y negativa a lo largo de a película. Por un lado esta la desesperación negativa del ambientalista, quien toma su propia vida y estaba dispuesto a generar un acto terrorista para beneficiar su causa. Y Por otro lado esta la desesperación positiva del pastor para propagar la verdad a costa de la iglesia donde trabaja. Por otro lado, también, esta la esperanza positiva de la novia, quien a pesar de conocer las pruebas acerca del calentamiento global, decide tener esperanza en que su hijo crecerá en un mundo sano y con futuro. La esperanza negativa, por otro lado, esta representado en el mensaje de la iglesia y su propagación de falsa información, a pesar de conocer lo que sucede afuera de sus paredes con la empresa que los financia.

El final de "First Reformed" es ambiguo, ya que no sabemos si el pastor finalmente sucumbe ante la desesperación o encuentra la esperanza, en la forma de, irónicamente, Mary y su futuro hijo. Pero esta ambigüedad funciona de manera brillante al dejar al espectador tomar su propia decisión acerca de que decisión tomo Paul, y sea lo que sea que pensamos que paso finalmente, eso habla acerca de nosotros mismos y nuestras ideas personales.

I, Daniel Blake

El director Ken Loach nos trae un retrato intenso de un hombre común que lucha por conservar la dignidad en lo que parece ser un mundo orwelliano. Lejos de buscar entretener, la película es dura, cruda e implacable. Daniel Blake (Dave Johns) es un comerciante rudo pero agradable de 59 años en Newcastle, Inglaterra. Se está recuperando de un ataque cardíaco grave y vive solo. Incapaz de trabajar, hace lo que hacen miles como él en tales circunstancias: solicita subsidio de manutención para poder pagar sus cuentas hasta que recupere la salud. Lo que sucede después no es lo importante, sino que es cómo sucede lo que realmente nos shockea. El llenado de formularios se convierte en un obstáculo para evitar que personas como Daniel obtengan ayuda y el personal que lo procesa se absuelve de la responsabilidad mediante la derivación constante al "responsable de la toma de decisiones" que nunca está ahi. Denegado el subsidio de manutención, debe solicitar un beneficio de solicitante de empleo que requiere 35 horas a la semana de búsqueda documentada de trabajo. Sus protestas son sancionadas oficialmente y pierde todo el "apoyo" del sistema. En medio de su propio trato inhumano por parte de una burocracia sin alma, Daniel trata de ayudar a una madre soltera con dos niños pequeños que también es aplastada por el sistema. Katie (Hayley Squires) se mudó de un albergue para personas sin hogar y está viviendo a base de cupones de comida porque sus planes han sido suspendidos. Ella encuentra un alojamiento económico que Daniel ofrece reparar y él se convierte en una figura paterna para ambas y ellas en su única familia.

"I, Daniel Blake" es una película, por momentos perturbadora y por momentos esperanzadora. Es un retrato crudo y universal de la vida de los más carenciados, que por momentos es dificil de ver. Pero también nos llena de esperanza el ver que se forma una relación de verdadera solidaridad entre los miembros de una comunidad que quiere salir adelante con dignidad. El ritmo es lento y el diálogo a menudo es breve, no hay mucha alegría en esta película, a pesar del humor negro de nuestro personaje principal, que está ahí para hacer soportable la historia. Pero en un mundo que se mueve inexorablemente hacia una conciencia social de extrema derecha, es una película que clama por ser vista y escuchada.

Amour

"Amour", del gran director austríaco, Michael Haneke, te rompe el alma, no hay otra manera de decirlo. El film, ofrece una representación desgarradora de los últimos días de una pareja casada. George (Jean-Louis Trintignan) y Anne (Emmanuelle Riva) son dos ancianos octogenarios que viven retirados después de años dedicados a ser profesores de música. Ambos son extremadamente cultos, dos intelectuales en el ocaso de sus vidas que aspiran a llevar una existencia lo más plácida posible, el tiempo que les quede. Su hija Eva (Isabelle Huppert) también ha estudiado música y se dedica profesionalmente a ella en el extranjero, donde vive con su marido y sus hijos. Un día Anne es víctima de un infarto cerebral, afectando sus funciones motoras y el habla. Cuando sale del hospital y vuelve a su casa le hace prometer a su esposo que jamás la vuelva a llevar al hospital. A partir de ahora, el amor de la pareja se verá puesto a prueba. "Amour" es una película dificil de ver, sin lugar a dudas. La temática (que va desde los efectos y consecuencias, más crudos y viscerales, de un infarto cerebral hasta la eutanasia, imaginense como termina todo), su tempo e incluso sus maravillosas actuaciones, que representan la complejidad humana de una manera excelsa, hacen que la película sea una vista verdaderamente compleja, pero necesaria. El film es un sincero y conmovedor retrato del amor y lo que significa el verdadero compromiso de un matrimonio y su famosa frase "En la salud y en la enfermedad, hasta que la muerte nos separe". Para mi, lo verdaderamente maravilloso del film, es que no evoca a sentimentalismos inncesarios, Haneke no es el tipo de director que va a utilizar música o algún recurso innecesario para generar en nosotros algún tipo de sentimiento, la película es un crudo retrato del verdadero compromiso de un esposo hacia su esposa y los límites que estamos dispuestos a traspasar en nombre del amor.

Mad Max Fury Road

Soy un fanático de las dos primeras películas de Mad Max, especialmente la segunda, así que cuando George Miller anunció la reboot de su icónico personaje me invadió una sensación de emoción y miedo al mismo tiempo. Luego de tantas reboots horrorosas y secuelas que nadie pidió que terminaron siendo un desastre, Miller nos trajo esta verdadera obra maestra, un verdadero poema audiovisual, con un equilibrio perfecto entre CGI y acrobacias reales ejecutadas al máximo nivel de precisión, en lo que es una verdadera oda al cine de acción, como hace tiempo no experimentábamos.

Pero mas allá de su proeza audiovisual, Mad Max Fury Road expresa una visión existencialista, una crítica a la relación entre el hombre y el medio ambiente y hasta aborda temáticas, porque no, de trata de personas. Y por si todo esto no fuera suficiente, también nos trajo a uno de los mejores personajes de empoderamiento femenino en la piel de la emperatriz Furiosa, interpretada por Charlize Theron, y nos permite olvidarnos de Mel Gibson, al darnos a un nuevo Max, interpretado por el genial, Tom Hardy.

The Handmaiden

The Handmaiden esta situada en la década del 30 y cuenta la historia de una joven coreana quien es contratada como criada de una rica heredera japonesa encerrada en una mansión. Lady Hideko perdió a sus padres cuando solo era una niña y lo único que le queda de ellos es una cuantiosa fortuna que heredó tras su muerte. Desde la terrible tragedia, su tío Kouzuki se encarga de su educación. Pero entonces, un buscavidas profesional, que se hace pasar por conde, se propone robarle la herencia sin que ella sea consciente de ello. Su estrategia es tratar de conquistarla con la ayuda de la doncella Sook-Hee, que se ganará la confianza de Hideko y la intentará manipular para que se enamore del estafador.

La película de Chan Wook Park es una obra maestra en casi todos los sentidos. Es visualmente exquisita, los trajes, el diseño de producción, la cinematografía y la música se combinan para crear una visión exuberante de la Corea ocupada por Japón en la década de 1930. Chan-Wook Park es un cineasta visualmente meticuloso y ninguna película suya ha mostrado su habilidad para contar historias visuales mejor que esta. Mi mejor descripción de la película sería algo así como un thriller Hitchcockiano al estilo de "Rebecca" con la violencia de "Oldboy" , y la sexualidad humanista de "Blue is the Warmest Color". Todos los actores son impresionantes en esta película. Las dos mujeres comparten un romance honesto y tierno que es a la vez apasionante y conmovedor, con un candor refrescante sobre la naturaleza de la sexualidad que casi nunca se ve en las producciones de Hollywood. Pero como siempre con una película de Park, la verdadera estrella es el propio director. La forma en que elabora esta historia es poco menos que fascinante. La trama escandalosa, depravada, sensual y fascinante está diseñada a través de múltiples perspectivas, moviendose de un lado a otro en el tiempo, para revelar, magistralmente, los puntos clave de la trama en un tiempo de ejecución de poco mas de dos horas.

Before Midnight

La épica historia de amor entre Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy) llega a su conclusión (o no) en el final de la trilogía de Richard Linklater "Before Midnight". Luego de seguir, desde el momento en que se conocen y comparten lo que parece ser un cuento de hadas, una historia de amor utópica de solo una noche y ver su reencuentro 10 años después en la ciudad de Paris, donde continúan donde lo dejaron la vez pasada, jugándosela por completo para reafirmar el amor que se tienen el uno por el otro, llegamos a la conclusión de esta historia de amor al encontrarnos con la pareja 20 años después del primer día en que se conocieron, siendo ya una pareja establecida con niños, mucho bagaje emocional de ambos lados y esta vez, con el factor tiempo, haciendo lo que hace mejor, desgastando una relación y rompiendo con todo el hechizo de esa primera noche idílica.

Si las dos primeras películas de Linklater son todo lo que queremos que nos pase en nuestros viajes de mochilero, ya sea por Europa, Sudamerica o donde sea, "Before Midnight" es todo lo que no queremos para nuestras relaciones, pero es a su vez, lo que inevitablemente sucede. El tiempo hace lo suyo y nos muestra que los cuentos de hadas no son reales, o mejor dicho, no son para siempre y una relación se mantiene en el tiempo con mucho, pero mucho trabajo.

Boyhood

Otra película de Richard Linklater, esta vez el proyecto épico que llevo más de 12 años de trabajo, pero que curiosamente, fue filmado en un lapso de solo 39 días, estamos hablando, por supuesto, de "Boyhood".

Como bien dijimos, la película abarca 12 años de la vida de Mason (Ellar Coltrane) de los seis a los dieciocho años. Durante este período, se producen todo tipo de cambios, mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, desilusiones y momentos maravillosos. Un viaje íntimo y basado en la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo, no solo en nuestro protagonista, sino también en todos los miembros de su familia.

Lo impresionante de "Boyhood" no es el hecho de que esta sea una película que llevo más de 12 años en hacerse, sino el hecho de que cuando uno ve la película, el paso del tiempo parece fluctuar de manera natural. Las elipsis temporales no suceden con la típica placa "5 años despues", sino que suceden casi sin aviso, literalmente vemos crecer y envejecer a cada miembro de esta familia de una escena a la otra, de la manera más natural posible y eso hace que esta historia íntima de vida se sienta tan personal. Linklater es de los directores más humanos que conozco, no hay crisis fuera de lo común ni grandes tragedias, sino conflictos reales, tangibles e humanos. De la misma manera que en la trilogia de "Before", los diálogos son de lo más simple y por ende relacionables, representan la condición humana de una manera sumamente natural.

Roma

"Roma", de Alfonso Cuaron, sigue la historia de Cleo (Yalitza Aparicio) la joven empleada de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media-alta de la Ciudad de México. La película es una carta de amor a las mujeres que criaron a Cuarón, ya que se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de los 70.

Vamos a dejar esto en claro, "Roma" tiene la mejor dirección de fotografía de cualquier película de esta década, POR ESCÁNDALO. Cada plano es una belleza y una obra de arte por sí solo y solo eso es motivo suficiente para entrar en esta lista. Pero "Roma" es mucho más que una película bonita. Es un film nostálgico, profundo y sí, por momentos, es difícil de ver por su tempo lento. La película es, en su núcleo, un historia acerca de la humanidad, íntima e universal al mismo tiempo, ya que es una historia de lo más personal para Cuaron pero a la vez nos habla a todos y todas. Explora temáticas de relaciones humanas, maternidad no deseada, desigualdades sociales, ausencia patriarcal y mucho más. Es la historia de Cleo, pero a la vez es la historia de una familia y de una ciudad, todo al mismo tiempo. Es una película que explora la relación implícita entre las fuerzas individuales y externas que nos rodean, como el contexto político de un lugar puede moldear nuestras vidas en una manera que no podemos controlar.

La película también habla de la desigualdad inherente en las sociedades, no solo la mexicana, en donde convivimos con el contraste de lo privilegiado versus la adversidad, toda sociedad convive con expresiones de generosidad, miseria y barbarie todo al mismo tiempo, es parte de nuestra naturaleza. Creo que Roma es una historia de humanidad porque en definitiva siempre encontramos más cosas que nos unen de las que nos dividen, sin importar nuestra clase social. Todos somos seres humanos deambulando por la vida haciendo lo mejor que podemos con lo que tenemos y a la hora de afrontar la adversidad y el caos de la mera existencia podemos elegir hacerlo con violencia y miedo o con amor, gracia e unidad.

The Irishman

La última película de Martin Scorsese de más de tres horas y media de duración lo ve reunido con sus antiguos colaboradores Robert De Niro y Joe Pesci y por primera vez con Al Pacino. El resto del elenco es realmente una maravilla, con nombres como Harvey Keitel, Bobby Cannavale y Ray Romano entre otros. Frank Sheeran (Robert De Niro) fue un veterano de la Segunda Guerra Mundial, estafador y sicario al que se le atribuyen mas de 25 asesinatos y quien trabajó con algunas de las figuras más destacadas del siglo XX. El irlandés es la crónica de uno de los grandes misterios sin resolver del país: la desaparición del legendario sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino).

Las comparaciones son odiosas y a la vez imposibles de evitar, Scorsese vuelve a una temática muy familiar para el y resulta realmente imposible no comprar The Irishman con Goodfellas, en mi opinión la mejor película de Scorsese. Pero a diferencia de Goodfellas donde Scorsese de cierta manera romantiza el mundo del crimen organizado y todo es exceso, drogas, mujeres y por sobre todas las cosas poder absoluto, ya sea en las calles como en la prisión, en The Irishman vemos otra faceta del director y de estos personajes, una faceta mucho más humana y tangible. Las decisiones de Frank a lo largo de su vida lo dejan solo en un asilo de ancianos, alejado de su familia, especialmente de su primogénita, reflexionando acerca de sus propios pecados y sin el glamour de ese estilo de vida porque literalmente están todos muertos menos el. El hecho de que tanto su director y sus protagonistas estén cerca del ocaso de sus vidas hace incapie en otra temática dentro de la película que es, no solo la muerte en si, sino el proceso de envejecer, los dolores tanto físicos como sentimentales de la vida y una visión introspectiva de la moralidad y ética de nuestros propios actos. The Irishman es un nuevo éxito en la filmografía de Scorsese y una nueva obra maestra para el mundo del cine.

Parasite

Ya hice mi reseña de Parasite en el blog así que no me voy a repetir pero, no solo pondría a Parasite dentro de las mejores peliculas de la década, sino también del siglo XXI, así que dicho eso, les dejo un párrafo de la critica que escribí sobre el film.

Parasite es una obra maestra y un clásico instantáneo, fluctúa de manera perfecta entre diversos géneros con un equilibrio envidiable, maneja comedia, drama e incluso suspenso y horror, pero en su núcleo Parasite es una sátira social que funciona de manera universal. Parasite explora la brutalidad del capitalismo en que vivimos y las tensiones que este genera entre las distintas clases sociales. Los Kim, una familia de clase baja que vive, literalmente, en un sótano infestado de insectos y roedores deben recurrir a la manipulación y la famosa viveza para poder sobrevivir. Por ende al principio de la película entendemos que los Kim son los parásitos que viven de la familia rica pero para el final de la misma entendemos que en realidad es la familia afluente la que vive, de manera cómoda, de la ardua labor de la familia de clase baja porque tienen el capital para hacerlo. El film también apunta a la ignorancia de las clases altas hacia el sufrimiento de las clases bajas con cosas cotidianas. Cada vez que llueve, por ejemplo, los Kim, no lo ven como una bendición, como lo hacen las clases más altas sino que lo ven como un peligro a su mera existencia, ya que la lluvia inunda su barrio, su hogar y destruye todas sus pertenencias, dejandolos en un estado de vulnerabilidad total y en sus puntos más bajos como seres humanos. Como dije al principio, Parasite es, en su núcleo, una sátira social y una clara critica a la naturaleza brutal del capitalismo neoliberal, donde el valor de cada individuo se mide en su propia habilidad para vender su trabajo por un sueldo. Todo esto lleva a la competencia salvaje entre los Kim y los antiguos empleados de los Park, una competencia no solo por el puesto laboral sino por la mera supervivencia de los individuos dentro de un sistema que esta construido pura y exclusivamente para las clases pudientes que abusan de su privilegio.

Her

La película de Spike Jonze explora el concepto de la soledad y el deseo inherente de los seres humanos de sentir una conexión verdadera en un mundo que, irónicamente, nos tiene más conectados que nunca y a la vez más aislados. En un futuro cercano, Theodore (Joaquín Phoenix), un hombre solitario a punto de divorciarse que trabaja en una empresa como escritor de cartas para terceras personas, compra un día un nuevo sistema operativo diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para su sorpresa, se crea una relación romántica entre él y Samantha (Scarlett Johnasson), la voz femenina de ese sistema operativo.

Cuando pensamos en nuestra conexión con otros seres humanos tendemos a categorizar la importancia de esas relaciones teniendo en cuenta la proximidad y la interacción que tenemos con ellos, si vemos a alguien más seguido es porque tenemos una afinidad hacia esa persona, pero la cercanía física puede ser sustituida por la cercanía emocional, y eso es lo brillante de Her, la relación entre Theodore y Samantha va mas allá de una conexión física sino que es pura y exclusivamente una conexión emocional donde se logra una relación totalmente sincera e honesta libre de prejuicios. Pero a medida que Samantha empieza a interactuar con otros sistemas operativos, los celos e inseguridades invaden a Theodore como en cualquier otra relación llevando al final de la misma.

El final de Her esta lejos de ser un final feliz pero es a su vez un final alentador, mas allá de como terminen las relaciones que vamos forjando a lo largo de nuestras vidas, lograr una verdadera conexión con alguien nunca es fácil, y aunque cuando todo termine duela, abrirnos por completo y permitirnos ser vulnerables ante ese otro es algo verdaderamente especial y nos va formando como personas.

The Social Network

No es casualidad que escriba sobre la obra maestra de David Fincher y Aaron Sorkin luego de escribir sobre Her, porque si en algún momento ese tipo de relaciones románticas llegan a ser posibles va a ser, en gran parte, por el sujeto de estudio de esta película, el creador de Facebook, Mark Zuckerberg.

Todavía recuerdo el día que fui a ver The Social Network al cine, no podía quitar los ojos de la pantalla, es ese tipo de película. Todo en este film es prácticamente perfecto, desde la dirección de Fincher, hasta el guión de Sorkin, hasta el soundtrack de Trent Reznor, hasta la actuación de Jesse Eisenberg como Zuckerberg. La historia narra el proceso de creación de uno de los inventos mas icónicos de nuestra generación: Facebook. Una nueva forma de conectarse que cambió nuestro mundo para siempre. Pero incluso si sacamos el trasfondo de Facebook la película habla, de manera brillante, sobre las relaciones de amistad en el nuevo mundo digital y sigue el arco del personaje de Zuckerberg, no hasta su momento de redención, sino hasta el principio e intento de redimir sus acciones, al darse cuenta de que luego de todo el proceso quedó absolutamente solo e aislado de todas las personas que en algún momento quiso. Zuckerberg es verdaderamente un personaje trágico, que encuentra su final, irónicamente, siendo el creador de una app que conecta personas pero quedando absolutamente aislado de su entorno mas íntimo.

Hereditary

Estuve pensando mucho tiempo sobre si poner Get Out, de Jordan Peele, o Hereditary, de Ari Aster. Ambas son la opera prima de los directores (Vaya manera de empezar una carrera) y las dos son realmente excelentes de distinta manera, pero al final opte por Hereditary porque hacía mucho tiempo que una película no me perturbaba de tal manera como lo hizo el film de Ari Aster (Literalmente me costo dormir por dos días).

Básicamente Hereditary es la historia de una familia, que luego de la muerte de la matriarca de la misma, la abuela, empieza a sufrir eventos extraños a su alrededor que complican su existencia. Pero la película va mucho mas allá una simple historia fantasmal. Cada vez que le tengo que explicar a alguien de que trata la película digo siempre lo mismo: "Básicamente la primer hora y media es un drama de la puta madre, sobre traumas familiares, depresión y enfermedades mentales y la última media hora es el infierno mismo". La película recuerda a grandes clásicos del cine como "El Bebe de Rosemary", el manejo del suspense es brillante y el uso de los detalles definen la película, realmente la película esta llena de pequeños detalles que si no se le presta cercana atención son fáciles de perder. Pero la columna vertebral y punto fuerte de la película es, sin lugar a dudas, su protagonista, Toni Collette, en lo que es tal vez la mejor actuación de su carrera.